Урок 5. Искусство Нового времени
Искусство Нового времени является, пожалуй, одним из наиболее запутанных и в то же время интересных для изучения. Если предыдущим периодам была свойственна определенная линейность процессов, в исторический отрезок Нового времени можно наблюдать параллельное сосуществование сразу нескольких стилей, каждый из которых мог бы считаться отдельной и самодостаточной эпохой в искусстве.
Пройдя этот урок, вы получите общие ориентиры, по которым сумеете определить принадлежность того или иного произведения искусства к тому или другому стилю Нового времени.
Содержание:
Изучая предыдущие темы, вы уже поняли, что искусство достаточно сложно загнать в какие-то строго определенные рамки, в том числе хронологические, ввиду того, что культурно-исторические процессы в разных странах развиваются неравномерно и несинхронно. Поэтому условно очертим хронологические границы данного периода в пределах 17-19 веков и будем уточнять их отдельно для каждого жанра и направления в искусстве.
Как и в прошлом уроке, мы сосредоточимся на европейской культуре, т.к. именно в Европе зародились основные стили искусства. В этом плане культура прочих регионов в некотором смысле вторична либо заимствована. Начнем со стиля барокко и посмотрим, как оно отразилось в архитектуре, скульптуре, живописи, литературе, музыке и зрелищных искусствах.
Искусство барокко и рококо
Одним из главных стилей, предопределивших развитие искусства 17-18 столетий, был стиль барокко. В целом, барокко присущи контраст и динамика, сложность и многообразие, стремление к величию и некоторая аффектация. Эти признаки наглядно демонстрируют все произведения искусства, созданные в данном стиле.
Архитектура
Отличительными признаками архитектуры барокко являются размах пространственных решений, слитность и плавное перетекание криволинейных форм. Одним из первых образцов барокко в архитектуре считается фасад церкви Санта-Сусанна в Риме, построенной еще в 4 веке, которую перестроил в стиле барокко в 1603 году итальянский архитектор Карло Мадерна (1556-1629):
Сходные черты можно увидеть и в творениях прочих архитекторов барокко. Наиболее известны такие деятели архитектуры барокко, как Джованни Лоренцо (1598-1680), Франческо Борромини (1599-1667), Гварино Гварини (1624-1683).
Отдельно стоит сказать о барокко во Франции: этот стиль часто определяют как «барочный классицизм», отличающийся повышенной страстью к роскоши и великолепию. Типичным образцом французского барокко или «барочного классицизма» считаются Версальский дворец и дворцово-парковый ансамбль при нем, сооружавшиеся во времена Людовика XIV, которого современники величали не иначе, как «Король-Солнце».
Такой дрейф стиля в сторону роскоши и великолепия можно считать предтечей возникновения рококо: стиля на основе барокко, отличавшегося большей легкостью, непринужденностью, вольным обращением с правилами и пропорциями, избытком декоративных элементов. При том, что барокко очень склонен к разным криволинейным формам, в рококо этот тренд достиг своего апогея. Украшаются едва ли не все плоскости на поверхности строения снаружи и внутри. Такой подход можно наблюдать во всех странах, где рококо получил распространение. Возьмем для примера церковь Азамкирхе, она же церковь Святого Иоанна в Германии:
Есть образцы рококо и на территории России, которые появились благодаря работе приглашенных из Италии архитекторов. Это, в частности, Летний дворец Елизаветы Петровны (Санкт-Петербург), построенный Франческо Растрелли (1700-1771). Кроме того, к стилю рококо относят и работы Антонио Ринальди (1709-1794): дворец Петра III, Китайский дворец и другие строения в Ораниенбауме.
Скульптура
Скульптуре барокко, как и архитектуре, свойственна сложность линий и вычурность форм. Скульпторы предпочитают сложные замысловатые сюжеты, которые весьма талантливо реализуют. В качестве примера приведем работу итальянского скульптора Лоренцо Бернини (1598-1680) «Похищение Прозерпины», где он предложил свое видение мифологического сюжета:
Стоит отдельно сказать о воплощении стиля барокко в работах испанских скульпторов. В отличие от своих коллег, они предпочитали работать с деревом. Наиболее известен своими работами скульптор Педро де Мена (1628-1688). Образцом могут служить сделанные им деревянные Хоры в соборе Малаги:
Стиль рококо стал естественным продолжением барокко в скульптуре, отличаясь лишь еще большей сложностью формы и избытком деталей декора. Наиболее знаменитым скульптором, работавшим в стиле рококо, считается Этьен Морис Фальконе (1716-1791), много работавший на заказ и вынужденный угождать не всегда изысканному художественному вкусу представителей знати.
Тем не менее даже в условиях определенных ограничений он создал выдающиеся скульптуры, которые восхищают красотой и сложностью по сей день. Например, интерпретация сказания про древнего атлета Милона Кротонского и его схватку со львом:
Живопись
Человек в искусстве нового времени занимает центральное место, и в живописи барокко это заметно особенно явно. Главные фигуры в живописи барокко – это Рубенс (1577-1640) и Караваджо (1571-1610), причем у каждого из них есть свои хорошо узнаваемые черты в творчестве.
Так, Караваджо очень любил экспериментировать со светом и тенью, а многие его картины буквально погружены в полумрак. Как, например, «Призвание апостола Матфея»:
Рубенс использует более светлые тона, но более пышные формы в изображении людей, особенно женщин. В живописи, как и в скульптуре, в чести сложные запутанные сюжеты и положения. В качестве примера возьмем картину Рубенса «Похищение дочерей Левкиппа». И, да, тема похищения в живописи, как и в скульптуре, тоже актуальна:
Словосочетание «рубенсовские формы» со временем стало именем нарицательным и используется, если нужно в тактичной форме описать весогабаритные характеристики женщин весом от 85 кг и выше.
Рококо в живописи можно вкратце охарактеризовать, как «много всего» на единицу площади картины. Примером может служить картина Антуана Ватто (1684-1721) «Отплытие на остров Цитеру»:
Там, где, по сюжету, предполагалась меньшая численность народа, холст перегружался избытком деталей окружающей действительности. Допустим, тщательной прорисовкой листочков растений, как у Николы Ланкре (1690-1743) и Фрагонара (1732-1806), детализованным изображением лавы вулкана, как у Франсуа Буше (1703-1770) и т.д.
Литература
Литературная жизнь барокко была весьма богата. В произведениях широко используются символы и метафоры, риторические вопросы и оксюмороны, а стремление к разнообразию часто приводит к хаотичности сюжета. Авторов барокко интересуют самые разные темы, а многообразие возникших в этот период жанров просто зашкаливает: галанто-героический роман, сатирический роман, бытовой роман, маринизм, гонгоризм, эвфуизм, метафизическая школа и многие другие.
К прециозной литературе относят и произведения в жанре пасторали, описывающие беззаботную жизнь пастухов и пастушек в окружении живой цветущей природы. Наиболее яркий представитель – Оноре д’Юрфе (1568-1625) со своим романом «Астрея».
В отличие от барокко, стиль рококо в литературе – это преимущественно малые литературные формы, стихи, новеллы и сказки, хотя есть и исключения. Например, роман Жана-Батиста Луве де Кувре «Любовные похождения шевалье де Фобласа». Всем произведениям в стиле рококо свойственна игривость, фривольность и беззаботность, они несут в себе идею удовольствия от жизни. К слову, похожие тренды наблюдаются и в музыке рококо, о которой мы и поговорим далее.
Музыка и зрелищные искусства
Типичные представители барокко в музыке – это Антонио Вивальди (1678-1741), Себастьян Бах (1685-1750), Георг Гендель (1685-1759). Они оказали значительное влияние на развитие инструментальной музыки. Барокко свойственно противопоставление хора и солиста, голосов и музыкальных инструментов. Все это оказало значительное влияние на развитие оперы.
Музыка рококо более легкая и более тяготеющая к различным мелким музыкальным и звуковым украшениям, мелизмам, прочим приемам, собственно и создающим ощущение легкости мелодии. Наиболее яркими представителями рококо в музыке считаются Франсуа Куперен (1668-1733) и Луи Клод Дакен (1694-1772).
Вот так в общем и целом повлияли барокко и рококо на развитие искусства. Узнать больше можно из книги «Мастера и шедевры эпохи барокко» [Е. Яйленко, 2015]. Тем же, кого заинтриговала непревзойденная роскошь рококо, рекомендуем книгу «Рококо. От Ватто до Фрагонара» [С. Даниэль, 2007]. А мы переходим к искусству классицизма.
Искусство классицизма
Классицизм – это стиль в искусстве, формировавшийся и развивавшийся параллельно с барокко в 17-18 веках и оказавший заметное влияние на культуру 19 столетия. В отличие от барокко, классицизм проповедует простоту, строгость и соразмерность, свойственную искусству Античности. Жанр зародился во Франции, и именно деятели французского классицизма оставили значительный след в его наследии.
Архитектура
Архитектуре классицизма свойственна четкость форм и планировок, стремление к логике и ясности. Причем это касается не только отдельных строений, но и градостроительных решений. Типичный пример классицизма – это площадь Согласия в Париже, спроектированная архитектором Жак-Анж Габриэлем (1698-1782):
Часто в отдельное направление выделяют ампир, зародившийся в рамках классицизма. В целом, это и есть поздний классицизм в архитектуре и прикладном искусстве, охвативший первую четверть 19 столетия. Ампир еще называют «королевским стилем» за использование большого числа декоративных элементов, украшений при том, что сохраняется симметрия, равновесие и умеренность в их использовании.
Скульптура
Скульптура классицизма аналогично стремится к правильности форм, наследуя античные традиции. И тут хотелось бы сделать ремарку и обратить ваше внимание, что для характеристики искусства конца 18 – начала 19 веков часто можно встретить термин «неоклассицизм».
В начале урока мы говорили о том, что разные стили и направления в искусстве получили неодинаковое распространение в разных странах, а сами культурно-исторические процессы развиваются неравномерно и несинхронно. Поэтому зачастую под неоклассицизмом понимается тот же самый классицизм, но имеющий национальные особенности культуры какого-либо государства.
Как вариант, к неоклассицизму относят произведения искусства, имеющие все признаки принадлежности к классицизму, но более украшенные различными мелкими деталями и склонные к сложности и некоторой запутанности. Примером могут служить скульптуры Антонио Кановы (1757-1822). В частности, его «Амур и Психея»:
Если совсем обобщить, неоклассицизм соотносится с классицизмом примерно так, как рококо соотносится с барокко или маньеризм с искусством высокого Ренессанса.
Живопись
Живопись классицизма вдохновляется традициями Ренессанса. Считается, что основы классицизма и его принципы работы с многофигурной композицией заложены Рафаэлем в ранее упомянутой нами работе «Афинская школа». Никола Пуссен (1594-1665) в своих работах заметно усложняет игру тени и света, и предпочитает более сложные сюжеты. В качестве примера приведем его картину «Танец под музыку времени»:
Из других ярких представителей живописи классицизма можно выделить Клода Лоррена (1600-1682) и Шарля Лебрена (1619-1690). Показательно, что французская монархия поддерживала развитие классицизм в противовес захватывающему умы знати барокко, финансируя «Школу изящных искусств» и награждая лучших «Римской премией», которая предполагала возможность провести в Риме 3-5 лет за счет государства, изучая античное искусство.
Еще один интересный нюанс: именно в классицизме произошло разделение жанров на «возвышенные» и «низкие». К «высокому искусству» отнесено творчество, посвященное истории, религии и мифологии, к «низкому» – бытовая тематика и натюрморт.
Литература
Основоположником поэзии классицизма считается Франсуа Малерб (1555-1628), осовременивший и обогативший нормы литературного французского языка. При этом в творчестве самого Малерба сильны традиции барокко.
В литературе, как и в живописи, произошло разделение на «высокое искусство», к которому отнесли драматургию и трагедию, и «низкое», к которому приписали комедию, басни, юмор и сатиру.
Представителями «высокого искусства» считаются Пьер Корнель (1606-1684) и Жан-Батист Расин (1639-1699). Широко известные за пределами Франции комедии Мольера (1622-1673) и басни Жана де Лафонтена (1621-1695), согласно канонам классицизма, считаются «низким» искусством.
Литература 18 столетия испытала серьезное влияние Просвещения – культурно-исторического течения в научной, философской и общественной мысли. Идеи Просвещения, прав и свобод человека и гражданина легли в основу многих художественных произведений Вольтера (1694-1778), в частности, его философских романов «Простодушный», «Задиг, или Судьба», «Кандид, или Оптимизм» и других.
Музыка и зрелищные искусства
Под музыкой классицизма принято понимать академическую музыку второй половины 18 – начала 19 веков. Самыми яркими музыкальными деятелями классицизма являются Людвиг ван Бетховен (1770-1792) , Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791), Франц Йозеф Гайдн (1732-1809). Все они принадлежат к Венской классической школе, отличительной особенностью которой является сочетание множества стилей и приемов классической музыки, трагичного и комичного в музыкальных сочинениях, баланса точного расчета и непринужденности звучания.
Развитие литературы и музыки дало толчок развитию театрального искусства. Принципы классицизма в театральном искусстве воплощались следующим образом:
- Единство времени – действие вмещалось в некий условный 24-часовой период.
- Единство места – действие происходило в одной локации.
- Единство действия – действие имело одну сюжетную линию (как правило, личная трагедия или конфликт межу личным и общественным).
Вот такой путь прошло искусство классицизма. Желающим знать больше мы рекомендуем книгу «Классицизм и романтизм. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок» [Р. Томан, 2001]. Как вы уже поняли, она полезна и для желающих поближе познакомиться с искусством романтизма.
Романтизм в искусстве
Романтизм зародился как протест против «правильности» классицизма, рациональности Просвещения. Романтизму были чужды строгость первого и реализм второго. Идеи романтизма требовали признать самостоятельную ценность духовной и творческой жизни личности, воспевали бунтарское начало и культ естественного в человеке. Хронологически романтизм охватывает конец 18 – первую половину 19 века.
Архитектура
В архитектуре отойти от «правильности» строительных традиций прошлых столетий удалось благодаря началу широкого использования металлических конструкций в строительстве. Они давали больше технических возможностей для выражения чувств и эмоций, реализации нестандартных, в том числе бунтарских идей без ущерба прочности конструкции. Появились причудливые своды зданий и чугунные мосты. Первый в мире арочный чугунный мост был переброшен через реку Северн в Англии:
Ныне этот мост находится под охраной ЮНЕСКО.
Скульптура
Скульптуре романтизма тоже присуще использование металлических изваяний, хотя мрамор по-прежнему широко используется как материал для изготовления скульптур. В отличие от прочих периодов, скульпторы романтизма стараются передать, в первую очередь, эмоции и переживания, а не просто динамику или статику положений.
В этом плане интересен французский романтизм, получивший особо мощное развитие после наполеоновских войн и определенного разочарования общества в прежних идеалах. Скульпторы стремились передать эмоции сильной личности, возвеличивали героизм простых воинов. Показательны работы Франсуа Рюда (1784-1855) и, в первую очередь, его «Марсельеза», украшающая Триумфальную арку в Париже:
Композициям романтизма свойственен огромный накал страстей, при котором герои вот-вот выйдут за пределы своих человеческих возможностей. Человек в искусстве Нового времени – это всегда личность, а в работах французских деятелей романтизма – еще и творец истории.
Живопись
Все вышесказанное справедливо и по отношению к живописи. Портретная живопись получила новый толчок, когда портрет – это не просто самоцель, а средство передачи эмоциональной составляющей события. Как, например, в работе Эжена Делакруа (1798-1863) «Свобода, ведущая народ»:
Считается, что романтический стиль стимулировал появление множества художественных школ, оказал влияние на будущее развитие многих направлений живописи. В частности, таких, как эстетизм, символизм, авангард и импрессионизм.
Литература
В литературе романтизма сформировалась целая плеяда авторов, чьи произведения человечество читает до сих пор. Отметим при этом, что идеи романтизма многие литераторы разных стран понимали по-своему, однако везде человек рассматривается как основное звено и, если можно так сказать, «центр тяжести» всех событий.
Это поэзия Генриха Гейне (1797-1856) и Джорджа Байрона (1788-1824), это романы Виктора Гюго (1802-1885) и Александра Дюма (1802-1870), это сказки братьев Гримм и Эрнста Теодора Гофмана (1776-1822). Это множество других авторов, не всегда признанных при жизни, как, к примеру, Уильям Блейк (1757-1827), чьи стихи получили известность уже после его смерти.
Еще раз акцентируем, что понимание романтизма у разных авторов может существенно отличаться, что никоим образом не умаляет их художественного значения.
Музыка и зрелищные искусства
Музыка эпохи романтизма – это гимн человеческой душе, это звучащая в каждой ноте убежденность, что душа всегда будет властвовать над разумом и если разум может заблуждаться, то душа никогда. Среди образцов романтизма представлена самая разная музыка, от патриотической до академической.
Так, в период Французской революции появился гимн «Марсельеза», воодушевлявший народные массы на борьбу. В академической музыке основоположником романтизма считается Франц Шуберт (1797-1828), а наиболее знаковыми представителями романтизма стали Иоганнес Брамс (1833-1897), Фридерик Шопен (1810-1849), Феликс Мендельсон (1809-1847), Роберт Шуман (1810-1856). Больше вы узнаете из статьи «Романтизм в музыкальной культуре Западной Европы» [Л. Зорилова, 2014].
Даже беглый взгляд на годы жизни показывает, что в музыке влияние романтизма зачастую выходит за пределы условно очерченного периода конца 18 – первой половины 19 веков. Это еще более заметно, если обратить взор на творчество российских композиторов.
Так, к образцам романтизма традиционно причисляют творчество Петра Чайковского (1840-1893), Римского-Корсакова (1844-1908), Даргомыжского (1813-1869), Мусоргского (1839-1181) и других. Это еще раз подтверждает тезис, что в разных странах сходные культурно-исторические процессы имели свои особенности, в том числе и хронологические.
В России придворные театры известны с 17 века. При Петре I театральное искусство получило мощнейший толчок к развитию, далее поддержанный императрицами Елизаветой Петровной и Екатериной II. В 1803 году в российском театральном искусстве произошло разделение драматургических и музыкальных трупп, а музыкальные труппы далее разделились на балетные и оперные. Идея принадлежала Катерино Кавосу (1775-1840), итальянскому дирижеру и композитору, работавшему тогда в России.
Так или иначе, российский театр на протяжении всей своей первоначальной истории развивался под мощным влиянием западноевропейских деятелей искусства, при этом не теряя своей самобытности и нарабатывая свой русскоязычный репертуар.
Так развивалось искусство разных стран в Новое время. Далее мы предлагаем пройти проверочный тест и перейти к материалу следующего урока.
Проверьте свои знания
Если вы хотите проверить свои знания по теме данного урока, можете пройти небольшой тест, состоящий из нескольких вопросов. В каждом вопросе правильным может быть только один вариант. После выбора вами одного из вариантов система автоматически переходит к следующему вопросу. На получаемые вами баллы влияет правильность ваших ответов и затраченное на прохождение время. Обратите внимание, что вопросы каждый раз разные, а варианты перемешиваются.
Далее давайте познакомимся с модернизмом.
Ольга Обломова
