Художники, которых мы сегодня знаем, не сразу стали великими. Путь к известности был для них разным: для одних – ярким и органичным, для других – полным препятствий. Одни хотели славы и денег, другие просто творили. Одни стали известными и богатыми при жизни, другие обрели известность только после смерти.
Сегодня мы исследуем необычную тему – чему можно научиться у великих художников. Расскажем, зачем это нужно, кому пригодится и в чем неочевидная польза такого способа самообразования.
Тем, кому интересны темы саморазвития, прокачки «мягких» навыков и жизни в «дзене», рекомендуем онлайн-программы «Когнитивистика» и «Лучшие техники самообразования». На них вы научитесь эффективным приемам делать себя лучше, несмотря на состояние внешней среды.
Воздействие искусства на психику
О том, что искусство благоприятно действует на человека, мы говорили в статье «Как искусство влияет на психику человека: краткий ликбез». Еще раз кратко: искусство – это отражение окружающей действительности и состояния человека в создаваемых им образах – в кино, танцах, скульптуре, песнях. Картины художников – это отражение их переживаний, впечатливших их событий и воспоминаний.
Запечатленные на картинах события носят разных характер, потому что отражают они разные события – и счастливые, и печальные. Соответственно, и воздействие на психику разное. Все зависит от того, что изображено на холсте и в каком состоянии и настроении находится человек, что переживает в настоящий момент.
Исследователи считают, что искусство влияет на когнитивные и аффективные функции и личностную сферу человека. Взаимодействие с разными произведениями творцов может вызывать катарсис. Оказалось, что самое глубокое влияние на человека искусство оказывает при проникновении во внутреннюю форму произведения, когда зритель погружается в историю создания шедевра, находит резонирующие с собой события и переживания [PsyJournals, 2006].
Также есть мнение, что впечатление, произведенное от глубокого проживания предмета искусства, в частности, картин великих художников, способно перевернуть жизненные взгляды человека, его отношение к окружающему миру. Нередко зритель после контакта с произведением создает собственный иллюзорный мир, новую реальность, в которой особое место отведено эмоциональным переживаниям человека и его ощущению себя в этом новом пространстве [Л. В. Шукшина, 2023].
Современное искусство – это отражение нашего мира в настоящем, со всеми изменениями, которые не всеми принимаются однозначно. Классические произведения в этом плане имеют историческую ценность – в них, помимо сюжета, интересно отслеживать историю времени и жизнь художника, что значительно углубляет восприятие зрителя.
Например, картина одного из самых великих художников мира Сальвадора Дали «Постоянство времени» 1931 года – это сюрреалистический пейзаж с берегами, расплывающимися часами, висящими на ветвях деревьев и тающими в пространстве песчаной местности. На заднем плане видно море и неопределенные горизонты:
Картина – яркий пример сюрреализма, полного метафор и символов. Один зритель увидит на полотне свои интерпретации, другой обратится к истории создания полотна. Сам художник утверждал, что идея картины пришла к нему за одним из завтраков, когда жена намазывала плавленый сыр на горячий тост [Музеи мира, 2023]. Большинство исследователей склонны считать, что текучие часы – это выражение ухода от прямолинейности времени. Если копнуть глубже, можно найти великое множество интерпретаций смыслов картины.
Культурное развитие и созерцание
Созерцание произведений великих художников имеет огромную важность с точки зрения культурного развития и эстетического воспитания. Великие художники создавали произведения искусства, в которых запечатлены история, культура и эмоции людей из разных временных периодов. Это помогает нам расширить свое понимание и восприятие мира, почувствовать красоту, глубину и разнообразие, которые существуют в искусстве и вокруг нас. И, разумеется, погрузиться в исторический контекст.
Кроме того, созерцание произведений великих художников помогает развивать эмоциональную и эстетическую интеллектуальность. Оно учит нас распознавать и анализировать различные художественные приемы и стили, которые используются в живописи. Мы начинаем видеть мир не только в его привычном виде, но и в глубинных и символических аспектах, которые художники так искусно передают в своих работах.
Наконец, созерцание произведений великих художников помогает нам понять и ценить наш собственный творческий потенциал. Картины показывают нам, что искусство может быть средством самовыражения и коммуникации, а не только атрибутом развлечения. Они напоминают, что красота и глубина могут быть найдены в любой форме и проявлении, и что творчество является неотъемлемой частью жизни каждого человека.
Теперь просмотрим, как и чему мы можем научиться у великих художников на примере их известных работ.
Воображение и креативность
Великие художники всегда выделялись своим богатством воображения и необычайными идеями. Они учат нас смело искать нестандартные подходы к решению проблем, не бояться экспериментировать и развивать свою креативность. Воображение – это источник новаторства, оно помогает видеть мир в необычных ракурсах, это полезно в различных сферах жизни, от науки и техники до межличностных отношений.
Обратимся к картине Микеланджело «Сотворение Адама», написанной в 1511 году. Это фреска, расположенная на потолке Сикстинской капеллы в Ватикане. На картине запечатлена знаменитая история, в которой Бог, представленный в образе старца, протягивает свою руку к Адаму, чтобы отдать ему жизнь. Руки Бога и Адама почти касаются, но не соприкасаются, что создает фактор возникновения жизни:
Микеланджело в своей работе заложил множество символов и идей. В ней ярко прослеживаются религиозные мотивы и идея о том, что является воплощением подлинного творения и связано с высшими силами. Смысл произведения раскрывает идею о силе творчества, воле человека, а также о моменте вдохновения и возникновении новой идеи или жизни.
Как это может помочь развитию оригинальности и воображения? «Сотворение Адама» воплощает в себе тему творчества, вдохновения и связи между божественным и человеческим. Это великолепный пример мастерства и художественной выразительности, который становится источником эмоционального подъема для творческой работы. Анализ картины и ее символов позволяет уловить глубокую смысловую и визуальную силу отдельных деталей изображения, что может способствовать развитию воображения и креативности у зрителей.
Наблюдательность
Картины великих художников содержат множество деталей и тонкостей, которые необходимо увидеть, понять и интерпретировать для углубления в произведение. Кстати, к некоторым картинам можно возвращаться множество раз и заново открывать для себя что-то новое.
Обратимся к шедевральным примерам.
«Мона Лиза» (или «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо») Леонардо да Винчи (1503 – 1519 годы) – одна из самых загадочных картин великого художника. Обратите внимание на улыбку Моны Лизы и ее глаза. Она славится загадочным выражением лица, вокруг которого ведется множество споров. Попробуйте разобраться, что за эмоции и чувства передал художник через ее взгляд и мимику:
«Ирисы» Винсента Ван Гога (1889 год). В этой картине нет напряженности сюжета, характерной для более ранних работ художника – он написал ее за год до смерти, когда жил в лечебнице Святого Павла Мавзолийского недалеко от Сен-Реми-де-Прованс. Обратите внимание на разнообразие оттенков и текстур цветов. Попробуйте определить, какие цвета используются для создания каждого цветка и какие части делают их особенными:
«Завтрак гребцов» Пьера Огюста Ренуара (1881 год). На холсте изображены ребята-гребцы и женщины, которые отдыхают и обедают на террасе ресторана в городе Катри. Картина отличается яркой цветовой гаммой, живостью и веселым настроением, что характерно для стиля импрессионизма. Ее можно рассматривать долго: обратите внимание на людей, их лица, эмоции, одежду, что изображено на столе, кто, как и с кем общается:
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи (1495 – 1498 годы). Знаменитая монументальная роспись в доминиканском монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, на которой изображена сцена последней трапезы Христа с учениками. Обратите внимание на формы и пропорции, попробуйте определить, как художник передает движение, позы и относительные размеры. Интересно, что прототипы участников тайной вечери – реальные люди, которых Леонардо да Винчи искал несколько лет. Он хотел сделать так, чтобы у каждого персонажа было «настоящее» лицо:
«Последний день Помпеи» Карла Брюллова (1833 год). Эта картина – идеальный баланс между реалистичностью и вымыслом [Дневник живописи, 2017]. Часть изображенных на ней людей – реальные, художник лично изучал останки погибших при раскопках уничтоженных Везувием городов. Вальтер Скотт просидел у картины несколько часов и был поражен до глубины души сюжетом и деталями. Попробуйте рассмотреть их и вы:
Рассматривать можно абсолютно все картины. Даже в «Черном квадрате» Казимира Малевича некоторые улавливают разные оттенки цвета. Обратитесь к литературе с историей интересующих шедевров, чтобы лучше понять значение отдельных деталей и сюжетов.
Терпение и настойчивость
Творческий процесс не всегда бывает легким и быстрым. Некоторые картины создавались годами – этим великие художники учат нас не сдаваться при первых неудачах и продолжать работать над своим искусством, развиваясь и совершенствуясь в любой сфере: в науке, карьерном росте или высоких стремлениях.
Пример картины, которую художник писал очень долго, – «Богатыри» Виктора Васнецова. Он работал над ней почти 18 лет, с 1881 по апрель 1898 года. Это полотно 3 х 4,5 метра, которое приобрел для своей коллекции Павел Третьяков [Культура.РФ, 2023]. Художник долго подбирал образы для богатырей, прототипами которых стали реальные люди. Также есть мнение, что Добрыня – это скрытый автопортрет Виктора Васнецова. Художник сделал много этюдов маслом в поисках лучшего фона, изображения самих богатырей, их лошадей:
Еще одна картина, на создание которой ушло два десятка лет, – «Явление Христа народу» или «Явление Мессии», над которой Александр Иванов работал с 1837 по 1857 годы. Холст 5,40 х 7,50 метра написан маслом с удивительной точностью в деталях. Художник собирал образы людей, посещал Ливорно, чтобы «заметить типы еврейских благородных голов», изучал Евангелие, чтобы картина получилась реалистичной и достаточно точной:
Картину «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» Илья Репин писал с 1880 по 1891 годы. Это большое полотно 2,03 х 3,58 м, на создание которого ушло 11 лет. За это время было сделано множество этюдов – всех главных героев картины Репин писал с реальных людей: преподавателей художественной школы, кучеров и представителей петербургской интеллигенции, с которыми художник был лично знаком:
Если присмотреться, на картине можно узнать солиста Мариинского театра Федора Стравинского, художника Якова Ционглинского, генерала Михаила Драгомирова.
Открытость к критике
Некоторые художники намеренно бросали «перчатку вызова» общественности, провоцируя зрителя к нестандартному диалогу. Умение выдерживать критику – важный навык для тех, кто идет к успеху. Рассмотрим его на примере работ художников.
«Спящие» Густава Курбе, 1866 года. На картине изображены две обнаженные девушки, спящие на ложе. Курбе очень реалистично изображает их тела:
«Спящие» обращают внимание на телесность и уязвимость человека. Это произведение может интерпретироваться как отражение моментов ожидания и умиротворения, но также может вызывать чувство тревоги и беспокойства из-за открытой кожи и уязвимости спящих фигур.
Некоторые художники того времени осуждали обнаженность и реалистичность изображения фигур и воспринимали работу, как провокацию. Единственная попытка представить картину публике закончилась составлением полицейского отчета. Позже полотно стало одним из самых известных работ Курбе, повлияло на развитие реализма и импрессионизма.
Картина «Авиньонские девицы» Пабло Пикассо 1907 года сегодня считается произведением искусства, с которого начался кубизм в живописи. Однако ее приняли не сразу – художник столкнулся со шквалом критики. Публика не поняла деформированные тела девиц, обилие острых углов и изображение африканских масок на лицах – это было что-то новое в живописи:
Интересно, что оригинальное название полотна – «Авиньонский бордель», которое впоследствии «смягчил» Андре Сальмон, чтобы не шокировать публику. Сам Пикассо такой шаг не оценил и продолжал ласково называть работу «мой бордель». Художник не прогнулся под критикой и продолжил развитие в стиле кубизма [Правда.РУ, 2021].
Этюд «Отрубленные головы» Теодора Жерико в 1818 году вызвал шквал критики за чрезмерный натурализм:
Головы не были выдуманы художником, он рисовал их с покойников во французском морге, когда готовился к работе над другой картиной «Плот Медузы» – она тоже не была принята критиками и обществом из-за религиозного подтекста. Позже ее оценили в Англии еще при жизни Жерико.
Риск и самовыражение
Художники часто рисковали, выходя за рамки привычного и находили новые, оригинальные формы для самовыражения. В этом мы можем научиться у них смелости и уверенности в себе, готовности к реализации своих инициатив, ведь риск позволяет нам расти и открывать новые возможности.
Необычные способы выражения своих чувств и переживаний использовала Фрида Кало, мексиканская художница. Ее работы биографичны – они тесно связаны с этапами жизни художницы и очень символичны. Например, «Автопортрет с обрезанными волосами» (1940 год) был написан после развода с мужем Диего Ривера и символизировал тяжесть разрыва:
Фрида написала над портретом «Я любил ваши волосы, а теперь, когда их нет, я больше вас не люблю».
«Сломанная колонна» (1944 год) – символ сломанного здоровья после аварии, которая оставила огромный след в жизни Фриды:
Картина «Больница Генри Форда» 1932 года наполнена болью после потери ребенка:
Список эпатажных художников невозможен без Фрэнсиса Бэкона, английского экспрессиониста и мастера фигуративной живописи. Практически все его работы вызывали острую реакцию зрителей и критиков, но художник оставался верен своему стилю на протяжении жизни. Бэкон изображал человеческие тела искаженными, вытянутыми и заключенными в геометрические фигуры. Излюбленная форма в творчестве художника – триптих. Как говорил сам Бэкон: «Я вижу изображения последовательно». Самой известной работой в жанре стал триптих «Три этюда к фигурам у основания распятия»:
У истоков абстракционизма стоял русский художник Василий Кандинский, в 1903 году он написал картину «Синий всадник»:
Позже теорию абстракционизма он опубликовал книгу «О духовном в искусстве». «Цвет – это клавиш; глаз – молоточек; душа – многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу» – так говорил Василий Кандинский.
Преданность искусству и своему делу
Василий Андреевич Тропинин, художник из Великого Новгорода, родился в семье крепостного. В юности он начал писать портреты хозяев – членов семьи графа Моркова. Его работы увидел молодой родственник графа и настоял, чтобы Василий отправился учиться в Императорскую Академию художеств.
Позже Тропинин создал проект церкви в Кукавке, украсил ее стены фресками, но необходимость заниматься хозяйством с него никто не снимал – он занимался домашней работой, красил колодцы и расписывал калитки. В 47 лет Тропинин, получив вольную, стал известным московским портретистом. Его пример – подтверждение того, что преданность таланту и мечте обязательно дадут свои плоды.
Мастерство для художников и фотографов
Самые известные картины великих художников – отличный материал для тренировки насмотренности, композиции и работы с цветом для тех, кто занят творчеством. Не секрет, что во все времена начинающие художники учились у более опытных, вдохновляясь их работами и используя приемы с уже признанных шедевров.
Что можно почерпнуть в мировых классических шедеврах:
- Мастерство рисунка и композиции. У великих мастеров можно подглядеть способы расстановки статических и движущихся объектов на полотне. Например, на картине Делакруа «Смерть Сарданапала» использован прием диагоналей, а на полотне «Мадонна на троне с младенцем и святыми» – кривая. Это помогло избежать хаотичного столпотворения людей [Фотогора, 2019].
- Использование света и теней, контрастов. Техники светотени помогают передать масштабы и ощущение объектов, что особенно важно в изображениях, фотографиях, портретах и натюрмортах.
- Использование цвета. Художники часто используют цвета и оттенки для передачи настроения и эмоций на композиции.
- Исследование тем и стилей. Картины классиков для художников и фотографов – предмет вдохновения. Изучение работ различных художников может помочь расширить кругозор, разнообразить работу и найти собственный стиль.
В некоторые курсы для современных фотографов включены разборы приемов, которые использовали художники с мировым именем.
Как учиться на картинах великих художников?
Обучение на картинах – это, скорее, самостоятельная работа. Наблюдение за деталями и размышление над ними – это субъективная часть процесса. Чтобы углубиться в произведение и его смыслы, используйте познавательные материалы: обзоры критиков, искусствоведов, автобиографии художников, если такие есть.
Самый интересный и, что интересно, по-прежнему довольно востребованный способ знакомства с картинами – книги. Сегодня это тематические издания с высоким качеством печати, смотреть в котором репродукции – сплошное удовольствие.
Книга «Велики русские художники» – популярное издание, которое знакомит читателя с творчеством художников, родившихся в России в разное время и внесших вклад в развитие национальной школы живописи. В книге представлены картины русских классиков: Шишкина, Айвазовского, Левитана, Репина, Васнецова, Кустодиева, Врубеля, Сурикова, истории их жизни и создания произведений.
Есть интерес к конкретному жанру или художнику – обратите внимание на книжную серию «Великие художники».
Заключение
Великие художники сохранили настоящее наследие, которое может стать нашим наставником и источником вдохновения для каждого из нас. Их картины при правильном подходе – настоящие уроки для развития креативности, наблюдательности, терпения, открытости к критике, сосредоточенности и самовыражения, они помогают нам в развитии и в повседневной жизни – взаимодействуя с ними, мы становимся более осознанными и гармоничными личностями.
Развивать себя как творческую и креативную личность – важные навыки, без которых в нашем «быстром» мире никуда. Освойте их на онлайн-программах «Когнитивистика» и «Лучшие техники самообразования».
Красота в глазах смотрящего – помните об этом и взаимодействуйте с искусством осознанно!
И в заключение поучаствуйте в небольшом опросе:
